Philip-Lorca diCorcia: cuando la calle se convierte en escenario

Pocos fotógrafos han sabido difuminar tan bien la frontera entre documento y ficción como Philip-Lorca diCorcia. Sus imágenes parecen instantáneas robadas al azar, pero casi siempre son el resultado de una planificación milimétrica: luces escondidas, encuadres estudiados, escenas ensayadas de antemano. Esa tensión entre lo espontáneo y lo construido es, quizás, la mayor aportación de su obra a la fotografía contemporánea.

Formación entre Hartford y Yale

Philip-Lorca diCorcia nació el 27 de junio de 1951 en Hartford, Connecticut, en el seno de una familia de ascendencia italiana; su padre, Philip Joseph DiCorcia, era arquitecto. Descubrió su interés por la fotografía a comienzos de los años setenta, durante sus primeras clases en la Universidad de Hartford. Continuó su formación en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston y, en 1979, obtuvo un máster en Bellas Artes con especialización en fotografía en la Universidad de Yale, institución en la que más tarde él mismo daría clases.

En sus primeros trabajos, ya durante los años setenta, fotografiaba a amigos y familiares en escenas domésticas aparentemente cotidianas que en realidad estaban cuidadosamente preparadas. Este periodo se asocia con la llamada Boston School de fotografía, y en él ya está presente el rasgo que definiría toda su carrera: la puesta en escena disfrazada de naturalidad.

Hustlers: el retrato de una época

A finales de los años ochenta y principios de los noventa, diCorcia emprendió el proyecto que lo daría a conocer internacionalmente: Hustlers (1990-1992). Financiado por una beca del National Endowment for the Arts, viajó varias veces a Los Ángeles, donde localizó escenarios, ensayó composiciones con asistentes y después abordó a hombres que ejercían la prostitución en las calles de Santa Mónica y Hollywood, pagándoles la tarifa habitual de sus servicios para que posaran ante su cámara en habitaciones de motel, solares vacíos, restaurantes de comida rápida o entre coches.

Cada fotografía se titulaba únicamente con el nombre del sujeto, su edad, su lugar de origen y el precio que cobraba: Chris, 28 years old, Los Angeles, California, $30 es uno de los ejemplos más conocidos. El propio diCorcia ha explicado que el proyecto estuvo marcado por un contexto personal doloroso: su hermano, Max Pestalozzi diCorcia, había muerto de sida en 1988, en plena crisis del VIH y en medio de un clima político que condenaba abiertamente la homosexualidad. Hustlers se presentó por primera vez en el MoMA en 1993, bajo el título Strangers, y marcó el inicio de su trabajo en el espacio urbano.

De Times Square al retrato anónimo

Con Hustlers, diCorcia dio el salto de los interiores a la calle, pero sin abandonar nunca su método: nada en sus fotografías es realmente casual, aunque lo parezca. En 1999 llevó ese enfoque a un extremo memorable: instaló su cámara sobre un trípode en Times Square y ocultó luces estroboscópicas en un andamio al otro lado de la calle, para fotografiar a transeúntes desconocidos que pasaban bajo esa iluminación sin saber que estaban siendo retratados. De ese trabajo surgieron dos libros: Streetwork (1993-1997), con encuadres más amplios que mostraban el cuerpo entero de los sujetos, y Heads (2000-2001), centrado en primeros planos de rostros.

Esta última serie generó además una disputa legal: uno de los hombres fotografiados sin su consentimiento demandó al fotógrafo, en un caso que en 2006 terminó con un fallo judicial a favor de diCorcia, apoyado en la libertad artística. El episodio puso sobre la mesa un debate que sigue vigente: hasta dónde llega el derecho de un artista a fotografiar a extraños en el espacio público.

Un cine sin cámara de cine

A lo largo de su carrera, diCorcia ha construido un lenguaje que él mismo describe como una mezcla de documental y ficción, cercano al mundo del cine y la publicidad. Sus imágenes recurren a menudo a una teatralidad casi barroca: sujetos que miran al vacío, luces que combinan lo natural con lo artificial, situaciones que parecen fotogramas de una película sin argumento explícito. El propio fotógrafo ha señalado que siempre ha trabajado con iluminación artificial, y que no considera que eso distorsione la realidad más de lo que ya lo hace, por ejemplo, el blanco y negro.

Series posteriores como A Storybook Life y Lucky Thirteen —esta última centrada en bailarinas de barra— continúan esa exploración de vidas ya de por sí «teatralizadas» por sus propias circunstancias. En todas ellas se repite un mismo interés: la comercialización de la identidad, la tensión entre verdad y actuación, y una mirada que sus críticos han descrito como «tipo Rorschach», capaz de generar lecturas muy distintas según quien observe la imagen.

Reconocimiento y legado

La obra de diCorcia forma parte de las colecciones de instituciones como el Museum of Fine Arts de Boston, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, la Bibliothèque Nationale de France en París y el Museo Reina Sofía en Madrid, entre muchas otras. Ha expuesto en ciudades como Milán, Londres, Hannover, Bruselas y Salamanca, y en 2009 presentó Mil en la galería David Zwirner de Nueva York, una instalación con mil reproducciones a tamaño real de sus propias Polaroids.

Hoy vive y trabaja en Nueva York, donde continúa enseñando en Yale. Su legado es el de un fotógrafo que entendió, antes que muchos, que la cámara nunca es un testigo neutral: cada imagen que produce es ya una decisión, una puesta en escena, una manera particular de mirar. Como él mismo ha dicho, una fotografía nunca puede ser del todo real, y quizás sea precisamente esa conciencia lo que hace que su trabajo siga resultando tan incómodo como fascinante.