William Eggleston: el hombre que convirtió lo cotidiano en arte a color
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Un triciclo oxidado. El interior de un congelador. Un cartel de Coca-Cola desgastado por el sol. Un parquímetro cualquiera en una esquina cualquiera de Memphis. Ninguno de estos objetos parecía merecer, en la década de 1970, el honor de colgar en las paredes del Museo de Arte Moderno de Nueva York. William Eggleston pensaba distinto, y su terquedad terminó por cambiar para siempre la forma en que el mundo del arte entendió la fotografía en color.
Un aristócrata sureño con una cámara en la mano
William Eggleston nació en Memphis, Tennessee, el 27 de julio de 1939. Vino al mundo dentro de una adinerada familia sureña y creció en la antigua plantación de algodón familiar, en el delta del Mississippi. Desde niño mostró inquietudes artísticas variadas: le gustaba dibujar, juguetear con aparatos electrónicos y recortar fotografías de revistas, movido por una personalidad curiosa e introvertida.
Su relación con la educación formal fue, cuanto menos, accidentada. A los quince años ingresó en un internado militar y, después, pasó por tres universidades diferentes sin conseguir ninguna titulación. Fue durante su paso por la Universidad Vanderbilt, en Nashville, donde desarrolló verdaderamente su interés por la fotografía. De ese periodo universitario poco convencional rescató, sin embargo, algo decisivo: la única asignatura que logró capturar su atención de verdad fue Arte, que le abrió las puertas del expresionismo abstracto y la pintura no figurativa.
El instante decisivo y el descubrimiento del color
En sus primeros trabajos fotográficos, Eggleston estuvo fuertemente influido por Robert Frank y por «El momento decisivo», el libro de Henri Cartier-Bresson. Sobre Cartier-Bresson llegó a decir: «La primera persona a la que admiré inmensamente fue Henri Cartier-Bresson. Aún lo respeto.» Durante esos años iniciales trabajó exclusivamente en blanco y negro, siguiendo la senda de sus maestros.
El giro que definiría el resto de su carrera llegó a mediados de los años sesenta. En 1965 comenzó a experimentar con la fotografía en color, en parte por recomendación de su amigo, el también fotógrafo William Christenberry. Eggleston comprobó el potencial de esta nueva vía al revelar su fotografía «Untitled (Memphis)» (1965), lo que lo motivó a seguir explorando el color de forma sistemática.
En 1966 cambió definitivamente del blanco y negro a la película en color, tal vez para hacer suyo el medio y distanciarse de sus estimados predecesores. No fue una decisión menor dentro del ambiente fotográfico de la época: la fotografía a color no se tomaba en serio en aquellos años y se consideraba un estilo relegado a la publicidad y a los aficionados.
Un descubrimiento técnico terminaría de definir su estética característica. Entre 1973 y 1974, mientras enseñaba en Harvard, Eggleston conoció el proceso conocido como dye-transfer a través de un anuncio de un laboratorio fotográfico; al indagar sobre el procedimiento, quedó impresionado por la saturación de los colores y la calidad de las tintas que ofrecía.
La cámara democrática: todo merece ser mirado
Lo verdaderamente revolucionario en Eggleston no fue solo el uso del color, sino qué decidió fotografiar con él. Buscó revelar el potencial estético de lo cotidiano, ensalzando la vida misma: zapatos viejos, congeladores con comida, el interior de un baño, un cartel de carretera, un camión viejo, un árbol. El propio fotógrafo definió esta filosofía como «una manera democrática de mirar alrededor, en donde nada es más o menos importante».
Esta idea de la «cámara democrática» es la clave para entender por qué sus imágenes, a primera vista tan simples, resultan tan poderosas. John Szarkowski, curador de fotografía del MoMA, llegó a llamarlo «el primer fotógrafo del color», encabezando lo que se conocería como el movimiento New American Color. Bajo la lente de esa cámara democrática, todo se vuelve igualmente importante, y lo vernáculo comienza a ocupar los espacios tradicionalmente reservados al arte.
Su método de trabajo, curiosamente, combinaba una composición extremadamente meditada con una ejecución casi instantánea. Cuando fotografía, Eggleston solo toma una foto, nunca dos; a veces ni siquiera mira por el visor de la cámara, y siempre actúa de forma espontánea. Y sin embargo, pese a esa aparente espontaneidad, cada una de sus fotografías está estudiada al milímetro; el cuidado del detalle es esencial en su trabajo, que dota de gran importancia a elementos que tienden a pasar desapercibidos en la composición.
El escándalo del MoMA de 1976
El momento bisagra de su carrera llegó en 1976, cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedicó una muestra que cambiaría la historia de la fotografía como disciplina artística. La exposición «Color Photographs by William Eggleston» lo convirtió en el primer fotógrafo del mundo en exponer una colección completa en color en el MoMA, comisariada por John Szarkowski y compuesta por 75 fotografías elaboradas con la técnica del dye-transfer.
La recepción crítica fue, cuando menos, hostil. Los críticos reaccionaron con horror ante lo que solo veían como fotografías de la cotidianidad con colores vivos y ningún tema o sujeto excepcional. La muestra causó auténtica sensación entre los incondicionales del costumbrismo fotográfico, pero también despertó la ira de buena parte de la crítica, que se sintió completamente descolocada por su obra.
El tiempo, sin embargo, terminó dándole la razón. Su obra tardó años en comprenderse y el éxito le llegó tarde, pero hoy es considerado uno de los mejores fotógrafos de toda la historia, con fotografías que llegan a subastarse por millones de dólares.
Los Álamos: el proyecto oculto durante cuatro décadas
Uno de los capítulos más singulares de su archivo permaneció escondido durante décadas. Durante un viaje por carretera con el escritor y curador Walter Hopps, Eggleston pasó por Los Álamos, Nuevo México, el lugar donde se desarrolló en secreto la bomba nuclear, y ese nombre terminó bautizando toda una serie fotográfica. Las más de 2.200 imágenes tomadas para el proyecto estaban originalmente pensadas para publicarse por partes, pero ese plan se abandonó; el cuerpo documental fue redescubierto casi 40 años después de haber comenzado, y finalmente publicado y expuesto en el MoMA en 2003.
Concretamente, Eggleston fotografió cerca de dos mil doscientas imágenes entre 1965 y 1974 para esta serie, cuyo título irónico pone en tensión lo aparentemente banal de sus temas con el peso histórico del lugar que lo inspiró.
Influencias, discípulos y un legado que sigue vivo
Las raíces de Eggleston se hunden en algunos de los grandes nombres de la fotografía documental estadounidense. Se sintió inspirado por Robert Frank, Walker Evans y Henri Cartier-Bresson, y encontró además una fuerte influencia en su contemporáneo Lee Friedlander, a quien definió como un experto en crear composiciones aparentemente caóticas pero, en realidad, muy bien organizadas. El mundo del arte pop, que descubrió a través de su cercanía con la actriz Viva y, por extensión, con Andy Warhol, también dejó su huella en su forma de mirar lo cotidiano.
Ese legado, a su vez, se proyectó mucho más allá de la fotografía. Directores como Wim Wenders —cuya película «París, Texas» emula a la perfección el uso del color de sus fotografías—, además de Gus Van Sant, Sofía Coppola, Jeff Wall y Martin Parr, se cuentan entre los artistas influenciados por su trabajo.
Una obra que documenta sin proponérselo
Aunque Eggleston siempre insistió en que su interés era puramente artístico y no documental, sus fotografías terminaron siendo, casi sin querer, un registro de época. Su intención no era registral, sino artística, y sin embargo subyace en su trabajo una vena documental, aunque sea de forma involuntaria; a Eggleston no le interesan los aspectos documentales de sus fotografías, que tratan simplemente sobre «la vida hoy».
Esa doble lectura —arte puro y testimonio involuntario de una época— es quizás lo que mantiene su obra tan vigente. Cada imagen suya parece decir que no hace falta viajar lejos ni fotografiar acontecimientos extraordinarios para hacer arte: basta con mirar de verdad lo que ya está frente a nosotros, con la luz correcta y el color adecuado.